PRIMER
AÑO
PRIMERA CLASE
Materiales para la materia:
carpeta de dibujo N° 6
hojas de dibujo cansón N° 6
lápiz de dibujo HB
lápiz de dibujo 3B (puede ser 2B, 4B etc)
regla de 30 cm. o escuadra grande.
Goma para lápiz, sacapuntas, lapices de colores o fibras.
otros materiales se irán pidiendo.
1-Tarea:
Lo primero que realizamos en el año es nuestra caratula. Usamos una hoja de dibujo cansón n° 6, seleccionamos una imagen de un dibujante argentino (Caloi y su clemente), (Nik y su gaturro), (Fontanarrosa y su Inodoro Pereyra).
realizamos una caratula similar al ejemplo.
 |
| Gaturro de Nik |
Clemente es un personaje de historieta creado el 8 de
marzo de 1973 por el historietista argentino nacido en Salta Carlos Loiseau, más conocido como Caloi
Caloi publicó sus primeros trabajos como
profesional en 1966 en
la revista Tía Vicenta. Un año después publicó una serie llamada
«Artista, Flor, Ejecutivo» en María Belén.
Entre 1968 y 1971 fue dibujante de
la revista Análisis en las secciones humorística y política.
También en 1968 empezó a trabajar para el Clarín (Buenos
Aires).
Durante los años setenta realizó
varias campañas publicitarias para los cigarrillos Parliament.
En 1970 realizó un
cortometraje de dibujos: Las Invasiones Inglesas que también
fueron muy queridas, pero en su momento fueron despreciadas.
En Clarín aparecieron
desde 1973 las
tiras diarias
de Clemente y Bartolo y una página de humor en la revista Viva.
de Clemente y Bartolo y una página de humor en la revista Viva.
Entre 1976 y 1982 colaboró con la
revista deportiva El Gráfico.
En 2004 Caloi fue declarado
«Personalidad destacada de la cultura» y su personaje de historietas más
famoso, Clemente, fue nombrado «patrimonio cultural de
la ciudad», por la Legislatura de la Ciudad. El 10 de marzo de 2009 fue
declarado «ciudadano ilustre de Buenos Aires»
Gaturro es una
serie de libros escrita por Cristian Dzwonik (conocido como Nik).1 La serie cuenta con más de 50 libros, entre historietas
y pequeñas novelas. Una
adaptación cinematográfica ha sido estrenada en
septiembre del 2010 y un mundo virtual para niños, llamado Mundo Gaturro, ha sido lanzado, también en el 2010.
La serie trata sobre la vida de un
gato del mismo nombre que la serie, quien está perdidamente enamorado de una
gata llamada Ágatha, pero ésta no le presta atención.4 Gaturro
vive en la casa de una familia de clase media compuesta por un matrimonio y dos
hijos.
Para comunicarse con los humanos
emplea el método de Garfield, es decir, no habla sino piensa, mientras cuando
habla con sus amigos animales, se lo muestra hablando. Entre sus principales
actividades se encuentran andar por los techos e ir a la escuela.
Nik
Cristian
Dzwonik (Buenos Aires, 18 de marzo de 1971), más conocido por su seudónimo Nik, es un historietista argentino, creador del personaje Gaturro y humorista
gráfico de actualidad en el diario La Nación.
(Se han
publicado evidencias de varios plagios hacia otros humoristas como Caloi, Fontanarrosa, Kappel y humoristas extranjeros)
Inodoro Pereyra (el renegáu) es una historieta argentina creada
en 1972 por el escritor y dibujante argentino Roberto
Fontanarrosa, que trata sobre la vida de un gaucho solitario de la pampa argentina.
La
historieta era, originariamente, una parodia en la que se exageraban los giros
lingüísticos y los estereotipos terruñales, concretamente no se parodiaba al
gaucho en sí sino a ciertos gauchos ficticios precedentes en las historietas
Sería
su ladero inseparable: Mendieta, un perro parlante que acompañaría a su amo en
sus andanzas, compartiendo con él razonamientos y acuñando frases memorables,
como "negociemos, Don Inodoro" y "qué lo parió".
Fontanarrosa
Roberto el
Negro Fontanarrosa (Rosario, 26 de noviembre de 1944 - 19 de julio de 2007), fue un humorista gráfico y escritor argentino.
Su
carrera comenzó como dibujante humorístico, destacándose rápidamente por su
calidad y por la rapidez y seguridad con que ejecutaba sus dibujos. Estas
cualidades hicieron que su producción gráfica fuera copiosa. Entre sus
personajes más conocidos están el matón Boogie El
Aceitoso y el gaucho Inodoro Pereyra (con su
perro Mendieta). Su fama trascendió las fronteras de Argentina. Por ejemplo, Boogie, el aceitoso empezó a
publicarse en un diario de Colombia, y luego fue publicado muchos años por el semanario mexicano Proceso.
http://es.wikipedia.org/wiki/Roberto_Fontanarrosa CLASE NUEVA
Impresionismo
 |
| Claude Monet ¨Impresión sol naciente¨ |
Nombre creado a partir
del comentario despectivo de un crítico de arte ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude
Monet, generalizable a otros
expuestos en el salón de artistas independientes de París (Francia) entre el 15 de abril y el 15
de mayo de 1874, sus rasgos
particulares(pintaban la luz,
como incidía en los objetos, el color, la pincelada
yuxtapuesta, el plenairismo, ósea pintaban al aire libre, antes ningún
pintor lo hizo.
Caracterizado, a grandes
rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el
instante.
Los impresionistas pintaban al aire libre, pintaron esa
sociedad burguesa de Francia, de finales de siglo XIX, además pintaban con pinceladas como si fueran ¨comas¨,
las famosas comas impresionistas.
Usaron colores complementarios yuxtaponiendo los colores
y pinceladas ósea encimando los colores, era una mezcla óptica; los colores se mezclaban en el ojo y no en el cuadro.
y pinceladas ósea encimando los colores, era una mezcla óptica; los colores se mezclaban en el ojo y no en el cuadro.
El pintor de la semana: Oscar Claude Monet (1840 - 1926)
Claude Monet
fue un destacado pintor, fundador de la pintura impresionista francesa.
Fue
reconocido por ser el artista más fiel al movimiento, cuyo objetivo era
expresar las propias visiones de la naturaleza. De todos los impresionistas,
fue él quien más aplicó el plenairismo, o la pintura de paisajes al aire libre.
Varias de sus obras están entre las más caras de la historia del arte.
La primera exposición del
grupo se realizó en 1874 en el atelier del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capucines de París. Inspirado por una de las obras expuestas, Impresión, sol naciente, que Monet
había pintado en 1872 en El
Havre junto con otras
obras, elcrítico de arte Leroy, de la revista Le Charivari,
la llamó «la exposición de los impresionistas». Así fue como nació el término impresionismo, que en un principio fue usado a manera de
burla por los críticos y que luego fue utilizado por los mismos artistas,
basándose en la pintura de Monet.
2-Tarea
Primero realizamos el recuadro a nuestra
hoja de dibujo.
Realizamos una composición o dibujo
al estilo impresionista, pintando al aire libre, copiamos una parte del barrio
o de una foto del mismo. Lo pintamos con fibras, temperas o con lápices de colores,
con la coma impresionista. (No pintar en plano).http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo
Suerte con la tarea.
CLASE NUEVA
El puntillismo o posimpresionismo
El puntillismo es
un estilo de pintura
(Francia) que consiste en hacer un dibujo mediante
puntos. Aparece por primera vez en 1884, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y El procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consiste en
poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela.
 |
| Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte Seurat Georges |
Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de
tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean
en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores
del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros
neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos
ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.
Mediante la adopción de
minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre
superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se
correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del
objeto.
Por ello, la única
mezcla capaz de producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se
convierte así en el factor predominante de su ejecución. Tras haber reunido por
separado en sus telas los elementos individuales de color presentes en la
naturaleza, el pintor asignaba a la retina del espectador la tarea de unirlos de
nuevo.
Los
pintores de una época siempre son influenciados
por sucesos trascendentales: científicos, sociales y estos afectan su arte, la fotografía
así como las moléculas fueron parte de la información de los puntillistas.
La Historia de la fotografía empieza
oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer
procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.
A partir de 1855 triunfó el sistema de los
negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos. Después de 1880 se
desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que podían ser producidas de modo industrial
y comercializadas sin limitaciones. Los fotógrafos compraban cajas de placas
vírgenes, ya sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la
cámara. También eran placas de vidrio; pero pronto empezó a usarse el soporte
flexible de película de nitrato. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba
carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. La primera
fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el físico escocés James Clerk Maxwell. Presentó su método aditivo de fotografía en color en Londres.
El átomo: Demócrito fue el primero en afirmar que la materia está compuesta por
átomos, y que estos eran indivisibles. Y ahí quedo la cosa hasta que Dalton, en
1803 lanzó su teoría atómica de la materia. En ella decía que todos los
elementos que se conocen están constituidos por átomos y que estos eran lo más
pequeño en que se podía dividir la materia, es decir eran indivisibles. (Ojo
pero si mediante procesos físicos).
2-Tarea
Primero realizamos el recuadro a nuestra
hoja de dibujo.
Realizamos una composición o dibujo
de estilo Puntillista, pintando al aire libre, copiamos una parte del barrio o
de una foto del mismo. Lo pintamos con fibras, temperas o con lápices de colores,
solo con puntos. (No pintar en plano).
Historia
5-TAREA
.png)
Suerte con la tarea.
Nueva
clase
 |
| OESED, Caballo |
 |
| rupestre1 |
 |
| Venus de Willendorf |
Arte
rupestre; no es arte realmente como nosotros lo
entendemos en la actualidad, son más bien manifestaciones visuales sobre
piedra. Dividido en tres grandes periodos: paleolítico 2000000 ac. Mesolítico 10000 ac. y el neolítico. 7000 ac. Nómadas en un inicio
y por ultimo de vida sedentaria…
Pintura Rupestre
Una pintura rupestre es todo dibujo o
boceto prehistórico que existe en algunas rocas y cavernas. El
término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca).
De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier
actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos
rocosos e, incluso farallones o barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es
prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras
representaciones del arte prehistórico como los grabados, las
esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o
erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las
pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.
Se trata de una de las manifestaciones artísticas más
antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios
datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación.
Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión
espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del
ser humano y en todos los continentes exceptuando la Antártida.
Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se
corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico.
Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la Cueva
de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España)…
3-TAREA:
Vemos el video preparado para la clase; el PREZI. El video
muestra las primeras imágenes y manifestaciones de la humanidad. Así nosotros tenemos
muestras primeras imágenes una vez que desarrollamos la memoria y podemos
recordar momentos de nuestra primera infancia. Nuestra tarea es reflejar en un
dibujo nuestras primeras imágenes como niños, y el tema es mi primer juguete, aquel del cual
mantengo un hermoso recuerdo por ser el primero o el más copado. Finalizamos pintando,
dando valor o trama.
Suerte con la tarea.
CLASE NUEVA
Una caricatura es un retrato de una persona a la cual se le exagera sus rasgos físicos. Es un retrato no parecido (fielmente retratado) pero reconocible. Generalmente de carácter humorístico.
Una caricatura es un retrato de una persona a la cual se le exagera sus rasgos físicos. Es un retrato no parecido (fielmente retratado) pero reconocible. Generalmente de carácter humorístico.
Historia
La caricatura en su sentido moderno,
nació en Bolonia a finales del siglo XVI, en la escuela de arte fundada por
una familia de pintores, los Carracci. Los estudiantes de esta academia se
divertían haciendo retratos de los visitantes bajo la apariencia de animales u
objetos inanimados…
En España ciertos trabajos de Goya tienen
visos de fuerte caricatura….
En tanto género la caricatura política nace en Inglaterra;
la sátira impresa evidenció las luchas entre el Papado y Lutero, e incluso Luis XIV fue víctima de tempranas
caricaturas. Sin embargo, el género de caricatura política sólo se estableció
hasta 1770, cuando en Inglaterra se tomó como un
arma de defensa contra quienes manejaban asuntos de Estado. El pintor William Hogarth entre los siglos XVII y
XVIII realizó ilustraciones burlonas de crítica social, decididamente dedicados
a la caricatura estuvieron George Cruikshank (siglo
XVIII/XIX), James Gillray (
siglos XVIII-XIX) y su coetáneo Thomas Rowlandson, Max Beerbohm (siglo XIX), Henry
Mayo Bateman y el célebre John Tenniel quien, a más de hacerse
mundialmente conocido por las ilustraciones dedicadas a Alicia
en el País de las Maravillas fue uno de los más destacados
caricaturistas de la revista "Punch".
Sin dudas el máximo exponente de la
caricatura ha sido el francés decimonónico Honoré Daumier quien trabajó junto
a Achille
Devéria, Raffet y Gerard este
último más conocido por su seudónimo Grandville en las revistas Le Silhoutte y Le Charivari…
En Argentina y Uruguay desde fines de siglo XIX se han venido destacando valiosos
artistas de la caricatura: Caloi, , Rudy, Lang, Napo, Faruk, Langer, Mordillo y Quino entre
muchos otros que se han destacado
en la caricatura sociopolítica, mientras que Calé, Florencio Molina
Campos y Lino Palaciose destacaron por sus entrañables
ilustraciones caricaturescas de tipos y costumbres, siendo célebres por sus
caricaturas los periódicos El Mosquito y Don Quijote (fines
de siglo XIX) y las revistas Caras y Caretas (inicios
de s XX), Tía Vicenta (años 1960s) y Humor Registrado (años 1980s).
Caricatura política
La caricatura política nace propiamente en Francia, tras las
ilustraciones alusivas a temas controvertidos y de personajes como Napoleón III y Luis Felipe, que ponían en tela de juicio su
credibilidad ante la opinión pública. Estas ilustraciones fueron impulsadas
gracias a la difusión de la litografía que permitió la fundación de
periódicos ilustrados en un mayor número. La caricatura política es desde
entonces un sistema de lucha dirigido con virulencia contra personajes de la
vida pública, con el ánimo de ridiculizarlos para resaltar sus errores. Además
aporta una visión no formal a la opinión pública, permitiendo revivir el pasado
gracias a la facultad del hombre de integrar elementos heterogéneos a la visión
histórica.
Vimos el video
sobre caricatura en las escuelas que se pudo proyectar, ver el sitio:
4-Tarea
Realizamos dos caricaturas
para eso dividimos la hoja N° 6 en dos, luego de realizar el margen, primero
definimos que es una caricatura, como nace históricamente y con qué fin. Si bien
hay muchas formas de realizar caricatura nosotros vamos a realizarlo por formato
y por garabato.
Una caricatura
con formato es aquella en la cual se usa formas prediseñadas; la forma de la
cabeza, la forma de la nariz, de los ojos etc. hay que armar una caricatura
como si fuera un rompecabezas. Al finalizar aplicar escala de valores (de grises;
con lápiz 3B).
Hacer una
caricatura con garabato, es más original siempre sale algo nuevo, se realiza un
garabato con lápiz HB en una de las mitades de la hoja, de forma suave, observamos
el garabato para encontrar algún rasgo físico; nariz, oreja, ojos etc. Remarcar
lo que se ve y lo demás ir borrando. Completar lo que falta. Al finalizar
aplicar escala de valores (de grises; con lápiz 3B).
Seguir los
ejemplos de imágenes para cada caso.
Suerte con la tarea.
CARICATURA CON GARABATO
.
NUEVA CLASE
BODEGÓN
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra
de arte que
representa flores y otros
objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o
hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades,
libros, joyas, monedas, pipas, etc.). Con orígenes en la antigüedad y muy
popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más
libertad compositiva que otros géneros pictóricos. Con orígenes en la
antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón
da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos.
Los bodegones ya adornaban
el interior de las tumbas del antiguo
Egipto. Se creía que los objetos
relacionados con la comida y la vida doméstica…
Caravaggio
SON MUY
CONOCIDAS SUS PINTURAS DE NATURALEZA MUERTA Y TAMBIÉN RELIGIOSAS. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610) fue un pintor italiano activo en Roma,Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente
de la pintura del Barroco…
ESCALA
DE VALOR
Escala de valor: es toda graduación
ordenada de grises que abarque del negro al blanco, con intervalos regulares,
recibe el nombre de escala de valores.
La que se usa generalmente es la de Ross-Pope de
nueve unidades, correspondiendo la n°1 al negro y la n°9 al blanco.
ESCALA DE ROSS-POPE
Los colores en la escala de valores de acuerdo a su luminosidad están colocados
convencionalmente en una escala vertical de nueve valores a ambos lados, siendo
la izquierda: Los cálidos, en la derecha están los fríos. Como se puede
apreciar, el color más claro es el amarillo que están en el segundo valor de
esta escala, teniendo los demás colores del círculo un orden de secuencia según
su claridad o su oscuridad, llegando al violeta como el color más oscuro en el
valor.
5-TAREA
TITULO: NATURALEZA MUERTA CON VALOR.
PRIMERO DEFINIMOS
QUE ES BODEGÓN Y SU HISTORIA.
REALIZAMOS EL MARCO
A NUESTRA HOJA DIBUJAMOS, LUEGO UNA ESCALA DE VALORES DE 9 CUADRADOS, UNA VEZ
LOGRADO PASA A LA REALIZACIÓN DE LA NATURALEZA MUERTA O BODEGÓN, LA
REPRESENTACIÓN QUE VAMOS A REALIZAR DEBE REFLEJAR NUESTRA MESA DE CASA, UNA
COMIDA, UN CESTO DE FRUTAS, EL MATE CON EL TERMO ¿CON QUE LO ACOMPAÑAMOS? ETC.
ETC. LA IDEA ES PINTAR NUESTRO MUNDO NO EL DE CARAVAGGIO, NI DE OTRA ÉPOCA.
ILUSTRAMOS CON
SINCERIDAD NUESTRA MESA Y LUEGO APLICAMOS LA ESCALA DE VALORES DE ROSS-POPE, A
CADA COLOR CORRESPONDE UN VALOR.
Figura /Fondo
La organización de figura/fondo es un
fenómeno interesante dentro de la gestalt. La figura/fondo radica en que
tendemos a percibir ciertos elementos como figura, con formas y bordes y otros
como fondo. Hay figuras que, aunque ocupen el mismo porcentaje de lugar dentro
de una imagen, tienden a ser figura y no fondo.
Sabemos que llaman así a aquella
relación que se plantea entre las cualidades visuales de los objetos y su
entorno.
La figura será el elemento central
donde se centra la atención ya que contrasta con el fondo y aparece bien
definida y en primer plano, el fondo estará poco diferenciado, indefinido,
vago.
La relación entre las cualidades
visuales de los objetos y las de aquello que los rodean es lo que en Plástica
se denomina "relación figura-fondo".
Características generales de la
figura y el fondo:
·
Toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura, lo demás actúa
como fondo.
· Los límites siempre pertenecen a la
figura.
· El fondo pasa por detrás de la figura.
· La figura, por lo general, es de menor
tamaño.
· El color es más denso y compacto en la
figura.
·
El fondo puede percibirse como
plano o espacio.
· La figura presenta mayor estabilidad,
claridad, precisión; siempre está más cerca del observador.
Por lo general, todo lo que tenga que
ver con la figura se recuerda mejor…
ALTERNATIVAS EN LA RELACIÓN ENTRE LA
FIGURA Y EL FONDO
Contraste: esta se da cuando la figura, por color, valor, forma, línea o
textura, se separa claramente del fondo
 |
| ANDY WARHOL |
Fusión: Se da cuando se
dificulta la lectura de la figura debido a que se mezcla con el fondo.
.jpg) |
| Decir Silencioso PHIL FROST (1973) |
Figura simple / Fondo complejo: La figura
presenta detalles (valor, color o textura). El fondo generalmente se presenta
neutralizado. Se usa más comúnmente.
 |
| MUNCH, EL GRITO |
Figura compleja / Figura simple: El fondo en este caso, se trabaja con
detalles, color, líneas y textura; en cambio la figura se resuelve con pocos
elementos, solo los indispensables para dar su configuración
 |
| MOLINA CAMPOS |
Reversibilidad: se dificulta identificar la figura y el fondo debido a
la competitividad que existe entre ambas áreas.
 |
| DALI, EL FILTRO DEL AMOR |
6-TAREA:
Título: figura y fondo.
Realizamos ejercicio con
tipos de figuras y fondos, pintamos o damos valor.
Dividimos la hoja de
dibujo en 2 o 4 partes, elegimos los diseños para representar como los ejemplos,
aunque no necesariamente idénticos tratamos de inventar los propios.
1-contraste.
2-fusión.
3-figura simple-fondo
complejo.
4-figura simple-fondo simple.
5-figura compleja-fondo
complejo.
6-figura compleja-fondo simple.
7-Figuras reversibles.
Suerte con la tarea.
NUEVA CLASE
Florencio Molina Campos
Florencio
Molina Campos (Ciudad de Buenos Aires 1891-1959) fue un dibujante y pintor conocido por sus típicos dibujos
costumbristas de la pampa argentina.
Su nombre completo era
Florencio de los Ángeles Molina Campos. Era hijo de Florencio Molina Salas y de
Josefina del Corazón de Jesús Campos. Perteneció a una familia tradicional de
Buenos Aires, relacionada con el ámbito castrense que tenía ilustres generales
entre sus ancestros…
…Molina Campos pinta a sus
personajes con un humor melancólico que entonces aparece entre un
aparente naïf y
un cierto expresionismo…
En 1942, y hasta mediados de los 50, es contratado
como asesor técnico de los estudios de Walt
Disney para colaborar el
los rodajes de: "El Gaucho Volador", "Goofy se hace
Gaucho", "Saludos Amigos", "El Gaucho Reidor" y "Los tres amigos".
Colaboró en la realización de la película animada Bambi de 1942, donde se distingue el estilo de
los animales y los árboles, que reproduce la vida silvestre de la Isla Victoria en el lagoNahuel
Huapi, ubicado en la Patagonia Argentina…
 |
| MOLINA CAMPOS |
 |
| MOLINA CAMPOS |
 |
| CONSTABLE, EL CARRO DE HENO |
7-TAREA:
Titulo: Paisaje
PARTIENDO
DE LA IDEA DE QUE EL ARTE ES UN LENGUAJE QUE COMUNICA, INFORMA Y NOS BRINDA
DATOS DE UNA CULTURA, UNA PERSONA, UN MUNDO EN PARTICULAR Y CONCEPTOS QUE HACEN
A LA OBRA. REALIZAMOS UNA COMPOSICIÓN REFLEJANDO NUESTRO BARRIO, NUESTROS
LUGARES DE RECREO, DONDE JUGAMOS A LA PELOTA, SI FUIMOS DE VACACIONES
RETRATAMOS ESE LUGAR. SIEMPRE ES BUENO DIBUJAR BASADOS EN LUGARES QUE CONOCEMOS,
PORQUE PODEMOS DAR CUENTA DE ELLO CON DETALLES. LUEGO LO PINTAMOS CON TEMPERA,
ACUARELA, CON LAPICES DE COLORES, CON VALOR A LÁPIZ Y/O CON BIROME TRAMA.
RECORDANDO A León Tolstói ¨PINTA TU ALDEA Y PINTARAS EL MUNDO¨ RETRATAMOS NUESTRO
MUNDO.
suerte con la tarea
NUEVA CLASE
SIMETRÍA
Simetría,
del latín symmetrĭa, es la correspondencia exacta en tamaño, forma y posición
de las partes de un todo. Un ejemplo de simetría es El hombre Vitrubio de
Leonardo da Vinci, una obra que representa un cuerpo humano perfectamente
simétrico.
Otro; Simetría es la reflexión especular ( como si fuera un espejo) de un
objeto con respecto a un eje o un punto central, que distribuye las parte de
manera ordenada.
8-TAREA:
REALIZAMOS
EJERCICIOS CON DIVERSOS TIPOS DE SIMETRÍA EN HOJA CANSON N° 6, O TAMBIÉN EN LAS NETBOOK. SE SUGIERE UTILIZAR MOLDES PARA PODER LOGRAR
EL EFECTO SIMÉTRICO EN TODOS LOS CASOS. NOS GUIAMOS POR LOS EJEMPLOS Y LOS TÍTULOS. EN LAS NETBOOK SE SUGIERE USAR FIGURAS GEOMÉTRICAS, RECORTAR, INVERTIR
Y PEGAR.
SIMETRÍA POR OPOSICIÓN.
SIMETRÍA RADIAL POR 2.
SIMETRÍA AXIAL.
 |
| Ejemplo como tiene que quedar en la hoja N° 6 |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
 |
| Ejemplo en la Netbook |
.png)
Suerte con la tarea.
NUEVA CLASE
GRAFISMO:
Es una manifestación
de la línea. Es la forma personal de trabajar mediante el trazo (la línea).
La línea: es un punto en movimiento, o una sucesión seguida de puntos.
La línea surge cuando se mueve el punto. Una línea horizontal es un elemento de
calma, una línea vertical es dinámica,
una línea oblicua es de tensión.
Línea
modulada: es aquella línea que al dibujar varía su grosor, se ensancha se afina y en ocasiones
se pierde.
Línea
homogénea: es aquella
línea que al dibujar siempre mantiene el mismo grosor.
9-TAREA:
Titulo grafismo- linea recta.
Realizamos
un ejercicio de líneas rectas y homogéneas. Usamos ángulos rectos, agudos,
obtusos, opuestos por el vértice, un cuadrado entre otros.
Cada lado
mide 12 cm. (Del 0 al 12, ósea 12 espacios) enumeramos como en el ejemplo, del vértice
(esquina) para un lado vamos del 1 al 12 y del otro lado desde el vértice del
12 al 1. Luego unimos con rectas número
1 con número 1, n°2 con
Es igual
con todos los ángulos, siempre del vértice hay 12 cm para cada lado.
Suerte con
la tarea.
GRAFISMO CONTINUAMOS.
10-TAREA.
TITULO: GRAFISMO-LINEA RECTA
REALIZAMOS UNA COMPOSICIÓN CON LINEAS, GRAFIASMO: ACUMULACIÓN Y DISPERSIÓN DE LINEAS.
VAMOS A REALIZAR UN CUADRADO EN EL CENTRO DE LA HOJA DE DIBUJO N°6, DEJAMOS UN MARGEN DESDE EL LADO IZQUIERDO DE 8 CM.
DIVIDIMOS EL CUADRADO EN LAS MEDIANAS OSEA EN 15 CM, LUEGO TRAZAMOS LAS DIAGONALES.
DESDE EL CENTRO MARCAMOS LOS 15 PUNTOS A CADA LINEA, DONDE HAY DIAGONAL MARCAMOS TAMBIÉN HASTA EL 15 Y BORRAMOS EL RESTO. TODO TIENE QUE MEDIR 15 CM.
LUEGO ENUMERAMOS DEL 1 AL 15 Y DEL 15 AL 1. COMO EN LA CLASE ANTERIOR. RECORDANDO QUE EL CENTRO ES CERO.
SON 8 ÁNGULOS AGUDOS LOS QUE VAMOS A LOGRAR CON EL EFECTO.
LUEGO SIGUE LOS CUATRO ÁNGULOS RECTOS DEL CUADRADO. OBSERVEN EL EJEMPLO.
FALTARÍA PINTAR.
10-TAREA.
TITULO: GRAFISMO-LINEA RECTA
REALIZAMOS UNA COMPOSICIÓN CON LINEAS, GRAFIASMO: ACUMULACIÓN Y DISPERSIÓN DE LINEAS.
VAMOS A REALIZAR UN CUADRADO EN EL CENTRO DE LA HOJA DE DIBUJO N°6, DEJAMOS UN MARGEN DESDE EL LADO IZQUIERDO DE 8 CM.
DIVIDIMOS EL CUADRADO EN LAS MEDIANAS OSEA EN 15 CM, LUEGO TRAZAMOS LAS DIAGONALES.
DESDE EL CENTRO MARCAMOS LOS 15 PUNTOS A CADA LINEA, DONDE HAY DIAGONAL MARCAMOS TAMBIÉN HASTA EL 15 Y BORRAMOS EL RESTO. TODO TIENE QUE MEDIR 15 CM.
LUEGO ENUMERAMOS DEL 1 AL 15 Y DEL 15 AL 1. COMO EN LA CLASE ANTERIOR. RECORDANDO QUE EL CENTRO ES CERO.
SON 8 ÁNGULOS AGUDOS LOS QUE VAMOS A LOGRAR CON EL EFECTO.
LUEGO SIGUE LOS CUATRO ÁNGULOS RECTOS DEL CUADRADO. OBSERVEN EL EJEMPLO.
FALTARÍA PINTAR.
NUEVA
CLASE
El
plano
El plano o superficie
Magnitud continua que tiene dos dimensiones, largo y ancho,
pero no espesor o profundidad.
Las superficies pueden ser verticales, horizontales,
inclinadas, cóncavas, convexas, torcida, distorsionada, curvada, angular, etc.
El plano en el espacio gráfico se presenta en áreas con
formas determinadas que percibimos por contraste de figura y fondo o por un
contorno lineal.
Las variaciones de luminosidad de una superficie pueden
producir efectos de luz y sombra.
El plano es otro elemento plástico más. Y se considera bidimensional
por tener dos dimensiones el alto y el ancho, no posee profundidad.
Autores y biografías de
las obras tomadas como ejemplo.
TAREA:
Título: El Plano.
Realizamos ejercicios con un elementos plástico; el plano, y
lo logramos usando líneas rectas o curvas, dividimos el plano (hoja de dibujo)
en diversos sub-planos al azar, tomamos como referencia los autores Mondrian y Kandindy.
Suerte con la tarea.
Ejemplo: corto una forma, la parte marcada de azul. Al desplegar obtenemos un trébol de cuatro hojas. Luego lo calcamos en serie y lo pintamos con 2 colores de forma opuesta para lograr figuras reversibles.
Una composición es la organización de los elementos que forman el conjunto de la imagen, con el fin de obtener un efecto de unidad y orden… las direcciones que hacen que el ojo del espectador recorra toda la obra.
Érase una vez… un espantapájaros que no tenía amigos, trabaja en un campo de trigo, no era un trabajo difícil…pero si muy solitario, sin nadie con quien hablar sus días y noches se hacían eternos, lo único que podía hacer era... mirar los pájaros….
Nueva clase
Tarea:
Suerte con la tarea.
Trabajo Practico:
Tarea para las vacaciones de invierno Investigamos sobre el artista Joan Miró, ¿qué fue lo más destacado que realizo?, también realizar una composición con las mismas características que el artista le ponía a sus obras.
NUEVA
CLASE
Figuras
reversibles.
En ocasiones la relación de las figuras con el fondo en una composición
se presenta confusa y no se logra distinguir cual es cual, a estas se las clasifica como figuras
reversibles, donde la percepción personal del espectador determina cual es la
valedera.
TAREA:
Realizamos una composición con figuras reversibles, para
ello dividimos la hoja de dibujo cansón en cuadrados de 7 y ½ centímetros,
dejando un margen de 1 centímetro como siempre en el recuadro. Luego usamos
hojas de carpeta numero 3 donde realizaremos cuadrados de 7 y ½ centímetros, lo
doblamos en sus diagonales 2 veces y 1 en su mediana. Luego cortamos alguna
forma en la esquina pintada de rojo. Ver el ejemplo de abajo.
SUERTE CON LA TAREA.
Nueva clase
Composición
Una composición es la organización de los elementos que forman el conjunto de la imagen, con el fin de obtener un efecto de unidad y orden… las direcciones que hacen que el ojo del espectador recorra toda la obra.
LA LEYENDA DEL ESPANTAPÁJAROS
Érase una vez… un espantapájaros que no tenía amigos, trabaja en un campo de trigo, no era un trabajo difícil…pero si muy solitario, sin nadie con quien hablar sus días y noches se hacían eternos, lo único que podía hacer era... mirar los pájaros….
Cada vez
que pasaban él los saludaba, pero ellos nunca respondían era como si le
tuviesen miedo.
Un día el
espantapájaros hizo algo que estaba prohibido: les ofreció unas semillas, pero
aun así ellos no querían saber nada.
El
espantapájaros se preguntaba por qué nadie quería ser su amigo.
Así paso el
tiempo, hasta que una noche fría, cayó a sus pies un cuervo ciego, el cuervo estaba
tiritando y hambriento, el espantapájaros decidió cuidar de él, tras varios
días, el cuervo ciego mejoró. Antes de despedirse el espantapájaros pregunto
por qué los pájaros nunca querían hacerse amigos de los espantapájaros.
Y El cuervo
explicó que el trabajo de un espantapájaros era asustar a los pobres pájaros
que solo los espantapájaros eran unos seres malvado y despreciables, ¡UNOS MONSTRUOS!
Ofendido el
espantapájaros le explicó que él no era malo a pesar de ser un espantapájaros,
Una vez más…
el espantapájaros se quedó sin amigos….
Esa misma
noche decidió cambiar su vida. despertó a su amo y le dijo que quería otro
oficio que ya no quería asustar más a los pájaros..
Aterrorizado
el amo despertó a los vecinos les conto que su espantapájaros había cobrado
vida y que esto solo podía ser obra del diablo.
Cerca del
molino, estaba el cuervo ciego, sus compañeros le explicaron que los vecinos de
la aldea estaban quemando un molino donde se intentaba esconder un
espantapájaros con una bufanda larga, el cuervo ciego entonces les explicó que
ése era el espantapájaros bueno... El que le había salvado la vida….
Conmocionados
por la historia los cuervos quisieron salvar al espantapájaros pero era
demasiado tarde y ya no podían hacer nada.
¡El
espantapájaros murió quemado!
Los cuervos
esperaron hasta el amanecer, y cuando no había llamas se acercaron a los restos
del molino, cogieron las cenizas del espantapájaros y volaron alto... …muy
alto... y desde lo más alto... esparcieron las cenizas por el aire…, el aliento
llevó las cenizas por toda la comarca... las cenizas volaron junto con todos
los pájaros y de esta manera, el espantapájaros nunca volvió a estar solo
porque sus cenizas ahora volaba con sus nuevos amigos… y en recuerdo del
espantapájaros el cuervo ciego y todos sus compañeros decidieron vestir de
luto….
Y por eso
desde entonces. En memoria del espantapájaros todos los cuervos son negros.
En memoria
de aquel espantapájaros todos los cuervos son negros.
Director: Marco
besas.
Tarea:
Título:ilustramos a partir de un cuento.
Luego de la
lectura del cuento ¨la leyenda del espantapájaros¨
por parte del profesor, elegimos una parte de la historia que nos gustó, imaginación
y memoria para poder ilustrar nuestra interpretación
del cuento. Si por esas casualidades este día no presencio la narración, leer
el cuento e ilustrar de la misma forma.
Luego vimos el vídeo del director Marco Besas ¨La leyenda del espantapájaros¨.
Este es el sitio donde pueden ver el vídeo:
Director; Marco Besas
La voz del narrador, fantástica, es de nuestro buen
actor Sancho Gracia
Guion del mismo director
Música: Fernando Cascales
Animación dirigida por Carlos Lascano
Suerte con la tarea.
Nueva clase
Composición libre:
En clase proyectamos imágenes en el programa PREZI. Las
imágenes recorrían un poco la historia del arte, los temas, títulos y motivos
que dieron origen a las obras, en que se inspiraron para realizarlas, algún tema
tuvo que atráelos para poder llevarlas cabo. La proyección de las imágenes fue
acompañadas de la descripción del docente en clase.
https://prezi.com/ en este
sito uno se registra con Facebook y sirve para realizar presentaciones.
Tarea:
Tema: libre
Vemos la presentación de imágenes y los motivos de sus
inspiraciones,
Realizar tema libre nos da la autonomía de llevar a cabo
en la hoja de dibujo el tema que nos guste, por lo general realizamos alguna
imagen de un dibujo animado que nos atraiga, lo más difícil es elegir el tema. Porque
es en base al tema que vamos a pensar en cómo llevar a cabo la composición y
nuestra intención de comunicar. Por eso se puede dibujar los que se nos ocurra,
es importante darle un buen acabado, con color, con valor, con trama o algún tipo
de línea en especial.
Suerte con la tarea.
Trabajo Practico:
Tarea para las vacaciones de invierno Investigamos sobre el artista Joan Miró, ¿qué fue lo más destacado que realizo?, también realizar una composición con las mismas características que el artista le ponía a sus obras.
Joan
Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de
1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español,
considerado uno de los
máximos representantes del surrealismo. En su
obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un
principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando
a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía
del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los
puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas
entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo
de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de
"matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma
de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y
a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2
Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero
de Cornudella, se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y
relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel
Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y
establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus
hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.3
Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el
12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con
suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931,
la pareja tuvo su única hija, Dolors.4 Al quedar libre del contrato con su
marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona,
realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Montroig. Se encontraba en
esta última población cuando estalló la Guerra Civil Española de 1936. En noviembre tenía prevista
una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias
adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada
de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París
era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su
amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de
Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza
tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Montroig, y terminó alquilando una
casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de
Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una
pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí
no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a
Barcelona.5
Estudió
comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser
“alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela de la
Lonja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre
aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.3 En la Lonja, se vio
influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados
del año 1907 que se guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de esta
influencia clara con Modest Urgell; otros dibujos, de poco antes del
fallecimiento de Miró, realizados con una simple pero firme línea horizontal y
la inscripción: "en recuerdo de Modest Urgell" resumen el gran cariño
que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó,
profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista
del año 1909 como diseño de unos broches representando un pavo real y una
serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de expresión y las
tendencias artísticas del momento.3
Con diecisiete
años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años
como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse
a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de
ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso
paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí,
donde conoció las últimas
tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en
1915. Mientras también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo
Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià
Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos
ellos el grupo artístico Agrupación Courbet cuya fundación hizo pública el 28
de febrero de 1918 en La Publicitat.1
La masía
Artículos principales: La masía y Mas Miro (Montroig).
Vista del Mas Miró desde donde se pintó la obra.
Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo
la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve
meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra,
se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig;
el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales
son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos
de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al
mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los
siguientes años de su contacto con el surrealismo11
Terminada esta pintura en París, por necesidad
económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg,
que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al
cabo del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir
la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado, recogió la tela
y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot
de la galería Pierre, que después de unos tratos, se la vendió al escritor
Ernest Hemingway, por cinco mil francos.12 Actualmente se conserva en la
National Gallery de Washington.
Surrealismo
Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo
contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924,
con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.13
A Miró le sirvió principalmente para abandonar su época
detallista y sintetizar los motivos ya apuntados en esa etapa. Es, en el potencial que le
ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde encontró el
perfecto material para sus futuras obras. Así se aprecia en Tierra
labrada, con clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas como el
ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de fumador, la
influencia se ve en la síntesis empleada para la descripción del personaje.14
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al
27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los
representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La
inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época,
mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases
de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la
sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la
crítica.15
En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños
para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de
mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el
teatro Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los
surrealistas y comunistas, alterar el estreno del "burgués" Diaghilev
y los "traidores" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función,
entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de
protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco
tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la
reproducción de obras de los dos artistas.16
https://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Mir%C3%B3
https://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Mir%C3%B3
 |
| TRAGAR AMOR |
 |
| AMANECER, JOAN MIRO |
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| GALLO, JOAN MIRO |
Trabajo practico
Tarea para las vacaciones de
invierno Investigamos sobre el artista Antonio Berni, ¿qué fue lo más destacado que
realizo?, también realizar una composición con las mismas características que
el artista le ponía a sus obras.
Antonio Berni
Antonio Berni nació en Santa Fe 1905 1981, fue un
pintor, grabador y muralista argentino. Berni fue un artista representativo de su época,
y lo caracterizaba el fuerte contenido social de su obra. Esta incluía una
galería de personajes,
entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de
los sectores más bajos y olvidados del país. Su obra estuvo influenciada por
los acontecimientos históricos que vivió a lo largo de su vida.
Sus padres eran de origen italiano: su padre, Napoleón
Berni, era un sastre nacido en Italia, y fue uno de los tantos inmigrantes
europeos que se instalaron en la ciudad durante esos años. Su madre, Margarita
Picco, era argentina hija de inmigrantes italianos radicados en Roldán, un
pueblo de la provincia de Santa Fe, a 30 km de Rosario. Berni nació en calle
España 288 (entre Salta y Catamarca); una placa con bajorrelieve indica el sitio.
En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales
Buxadera y Cía, donde recibió las enseñanza de su fundador, N. Bruxadera, un
artesano catalán. Poco tiempo estuvo en este taller ya que entre 1914 y 1915 su
padre volvió a Italia, entonces Berni es enviado a la casa de sus abuelos en
Roldán. A pesar de que Antonio se alojó en Roldán, estudió pintura en el Centre
Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Fornells y Enrique Munné.
En 1925 consiguió una beca otorgada por el Jockey Club
de Rosario para estudiar en Europa y en noviembre de ese año llegó a Madrid.
Terminada la beca, Berni volvió por unos meses a Rosario,
pero al poco tiempo retornó a París, ahora con un subsidio del Gobierno de la
provincia de Santa Fe.
En 1928 conoció a Louis Aragón, poeta, novelista y
ensayista francés, uno de los líderes del movimiento dadaísta y del
surrealismo. Aragón lo acercó al surrealismo y también a André Bretón, poeta y
crítico de arte.
Tanto Europa como América, por entonces sufrían la
crisis de 1929 en Estados Unidos y Argentina con la revolución del 30 había
comenzado la llamada "década infame". Rosario era un lugar muy
especial en esos años. Ahí se asentó la mafia, la de Chicho Grande y la de
Chicho Chico, y la prostitución que tuvo su imperio en el barrio de Pichincha. En
1932 Berni se internó en ese universo para colaborar como fotógrafo en una nota
periodística encargada a Rodolfo Puiggrós, futuro dirigente comunista. Era una
zona de garitos y varités, que desaparecieron en 1937.
Y fuera de esta miseria humana que observó Berni estaba la
otra, la del hombre que vivía en las zonas rurales entre los chacareros. Este mundo era totalmente
distinto al de París de los años 20 y de los artistas surrealista. No pudo
dejar de sentir una gran conmoción interior. De alguna manera dejó en
parte el surrealismo ya que sufría la desazón, la desesperanza de la gente.
Decidió asumir un compromiso con su país.
"El artista está obligado a vivir con los ojos
abiertos y en ese momento (década del 30) la dictadura, la desocupación, la miseria, las huelgas,
las luchas obreras, el hambre, las ollas populares crean una tremenda realidad
que rompían los ojos", diría en 1976. Así comenzó la etapa del
"realismo social".
En 1934
Berni comenzó a mostrar la problemática social de la década del 30 con sus
obras "Desocupados" y "Manifestación". No sólo la
Argentina está en crisis. La desocupación, la pobreza, el comienzo del nazismo
y fascismo, la Guerra Civil Española, espantan a Berni. Otros aspectos que
retrató tienen que ver con la vida cotidiana, como por ejemplo en
"Primeros pasos" de 1936. En 1937 presentó "Club Atlético Nueva
Chicago".
Berni, en la década del 30 tuvo su experiencia
muralista al intervenir en la construcción de "Ejercicio Plástico".
Ya él había fundado el
grupo "Nuevo Realismo.
En 1954 presentó "Team de fútbol o Campeones de
barrio". Respecto al tango, pintará "Orquesta típica" en 1939,
para recrearla en 1974 y 1975. Berni inicia sus representaciones en Argentina
de lo que será típico de la década de 1950: "La siesta" y "La
fogata de San Juan".
Antonio Berni.
Entre diciembre de 1941 y mayo de 1942 recorrió Bolivia, Ecuador, Perú y
Colombia con la idea de realizar estudios precolombinos por pedido de la
Comisión Nacional de Cultura. Su obra "Mercado indígena" de 1942, la
basó en fotos que tomó durante este viaje.
El mundo de la década del '40 será tan conflictivo como el del
'30. Una nueva gran guerra sellará sus días. En América, en Costa Rica se
produjo una guerra civil. En Panamá se instaló una dictadura. En Venezuela se
derrocó al presidente Rómulo Gallegos y surgió la dictadura de Laureano Gómez.
En Bogotá hubo una insurrección popular por el asesinato del dirigente liberal
izquierdista Jorge Gaitán. Argentina
no queda al margen de este tipo de acontecimientos. Se produjo en 1943 el golpe militar,
con la destitución del presidente Ramón Castillo.
Berni, de
exquisita sensibilidad, observará y reflejará en su pintura esa realidad.
Berni mientras tanto pintará "Masacre" (1948)
y "El obrero muerto" (1949). En 1951 hizo otra
"Manifestación": mujeres y niños llevan un lienzo blanco en el que
está dibujada la paloma de la paz, con un ramo de olivo en el pico.
La tala
indiscriminada en ciertas provincias: esta realidad la palpó Berni y,
como lo hizo siempre, la expresó a través de su pintura. Así aparecerán
"Los hacheros" (1953), "La marcha de los cosecheros",
"La comida", "Escuelita rural" (1956);
"Migración", "Salida de la escuela", "El
mendigo", "Hombre junto a un matrero" y "El almuerzo".
Por entonces Berni pintó algunos paisajes del suburbano: "Villa Piolín",
"La casa del sastre" (1957); "La iglesia", "El
tanque blanco", "La calle", "La res"
"Carnicería" (1958), "La luna y su eco" (1960) y
"Mañana helada en el páramo desierto". También de esa época son
"Negro y blanco" (1958); "Utensilios de cocina sobre un muro
celeste" (1958) y "El caballito" (1956).
Mientras el mundo sufría la guerra de Corea en 1953, la
invasión a Hungría por parte de la Unión Soviética en 1954 y en Argentina caía Perón,
el mundo interior de Berni se componía de nuevas imágenes. A su vuelta de
Santiago del Estero comenzó a hurgar hasta que en 1958 surgió claramente su nuevo personaje, Juanito Laguna,
y poco tiempo después aparecerá también, Ramona Montiel. La historia de estos dos seres lo
envolverán por tiempo y con ellos trascenderá mucho más. Tanto los
"Juanitos" como las "Ramonas" se cotizaron en el mercado exterior
a precios incalculables.
Últimos años y muerte
En 1976 Berni se va a Nueva York. Allí pintó, hizo
grabados, collage, y presentó en la Galería Bonino una muestra titulada
"La magia de la vida cotidiana". Durante su estadía en esa ciudad
hizo 58 obras que quedaron en la Galería para una muestra en Texas que nunca se
realizó. En 1982, después de su muerte, llegaron a Buenos Aires. En esa época
también pintó tres óleos referidos a Juanito y a Ramona, "Juanito en la
calle", "Juanito Laguna going to the factory", "El sueño de
Ramona".
Ya que el 13 de octubre de 1981 Antonio Berni dejaba
este mundo.
Unos días antes de su muerte, Berni en una entrevista
decía: "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una
manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es
no hacer concesiones. En cuanto a la pintura, es una forma de amor, de
transmitir los años en arte."
 |
| Juanito Laguna ¨remontando un barrilete¨ |
 |
| Juanito Laguna ¨desocupados¨ |
 |
| Berni, Antonio La gran tentación o La gran ilusión |
Nueva clase:
Líneas y planos, ilusiones
ópticas.
Una
ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la
vista que nos lleva a percibir la realidad de varias formas. Éstas pueden ser
de carácter fisiológico asociados a los efectos de una estimulación excesiva en
los ojos o el cerebro (brillo, color, movimiento, etc., como el encandilamiento
tras ver una luz potente) o cognitivo en las que interviene nuestro
conocimiento del mundo (como el Jarrón Rubin en el que percibimos dos caras o
un jarrón indistintamente). Las ilusiones cognitivas se dividen habitualmente
en ilusiones de ambigüedad, ilusiones de distorsión, ilusiones paradójicas e
ilusiones ficticias (alucinaciones) donde las imágenes no son perceptibles con
claridad por el ojo humano, ya que nuestro cerebro solo puede asimilar una
imagen a la vez. En conclusión, el cerebro humano solo puede concentrarse en un
objeto, por lo que, cuando se presentan dos formas en una sola imagen, se
ocasiona confusión y el cerebro entra en desorden, con lo cual este lleva a ver
otra visión de lo visto.
Un
patrón es un tipo de tema de sucesos u objetos
recurrentes, como por ejemplo grecas, a veces referidos como ornamentos de un
conjunto de objetos.
Un elemento que se repite constantemente.
Tarea
Título: ilusión óptica con líneas.
Realizamos una ilusión óptica partiendo de la repetición
de un patrón geométrico para lograr un efecto visual, se sugiere ver el video
que dejo. Se puede realizar con cualquier figura geométrica; triangulo,
cuadrado, pentágono, o paralelogramo rombos etc. Usen el que mejor les resulte
y completen la hoja de dibujo, puede quedar finalizado con fibra, birome o
estar pintado.
Suerte con la tarea.
Nueva Clase
Ritmo
El ritmo es una repetición periódica de una figura con la
que se puede conseguir un movimiento virtual provocado a través de la
percepción de acentos y pausas a intervalos. (En artes visuales se distingue
ritmo estático y ritmo dinámico)
Ritmo por repetición: se mantiene constante la misma
imagen u objeto.
Ritmo por alternancia: por lo general son 2 o 3 imágenes
que se van alternado de manera rítmica.
Ritmo por simetría: es una imagen u objeto que se repite
primero del lado derecho y luego del lado izquierdo de manera opuesta.
Ritmos decrecientes o ritmos crecientes
Si lo que se pretende es conseguir una sensación de
cercanía o de lejanía se pueden utilizar los ritmos decrecientes o ritmos
crecientes.
 |
| EJEMPLO DE RITMO. |
Tarea
Título: ritmo
Realizamos el recuadro o margen de 1 cm.
a la hoja de dibujo N° 6, dividimos en cuatro franjas horizontales (ver diagrama) para poder
realizar los 4 tipos de ritmo descritos, estas franjas deben ser de la misma
medida.
Elegimos un motivo o dibujo los
realizamos en una hoja cualquiera de las mismas medida de alto del margen de
uno de los reglones, ese motivo lo calcamos hasta el final del reglón. Lo mismo
hacemos con los otros tipos de simetría (ver diagrama).
El ejercicio puede ser realizado el hoja N° 6 o el la netbook en el paint, con fotos, o también en programas similares que te permitan la repetición de elementos.
Suerte con la tarea.
